Técnicas de pinrura

 Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos en el soporte a pintar.

Óleo: Paleta de pintor, pinceles y tubos de pintura al óleo. El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es la trementina. La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco, mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. Estos aceites se secan más lentamente que otros, no por evaporación sino por oxidación. Se forman capas de pigmento que se incrustan en la base y que, si se controla cuidadosamente los tiempos de secado, se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento, la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el secado aunque, a largo plazo, tiende a amarillear ligeramente. Su capacidad de soportar capas sucesivas, permite al artista desarrollar un concepto pictórico por etapas.

De las mezclas de colores se obtienen una amplia gama de tonos y matices :

• Amarillos: Cadmio limón y ocre amarillo.
• Tierras: Sierra tostada y sombra natural.
• Rojos: Rojo cadmio (que equivale a bermellón y carmín).
• Azules: Prusia, ultramar oscuro y cobalto oscuro.
• Verde esmeralda.
• Blanco de zinc.
• Negro de marfil.

Johannes Vermeer"La niña de la perla"
oleo sobre tela

Cera: El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes, es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. La terminación es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida.

                                    Diego Rivera "La creación" (1922) Fresco en encáustica

Acuarela: La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando.

John Singer Sargent "La siesta de los gondoleros", 1904.

Témpera: La témpera es un medio similar a la acuarela, pero tiene una «carga» de talco industrial o blanco de zinc. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela, permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura, procedimiento que en la acuarela «clásica» se considera incorrecto. Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y hacer efectos de trazo seco o de empaste.

Edvard Munch"Muerte en la habitación" (1895)

 Témpera y lápices de cera

Acrílico: La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Se destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo.

Morris Louis "Point of Tranquility"(1959) Acrílico sobre lienzo

Pastel: La técnica de la pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores cuyos pigmentos en polvo están mezclados con la suficiente goma o resina para que queden aglutinados y formen una pasta seca y compacta. La palabra pastel deriva de la pasta que así se forma. pintar, por lo que se suele usar al finalizar el dibujo fijadores atomizados (spray) especiales.

Edgar Degas "Ballet Dancers in the Wings"1900. Técnica pastel.

Temple: La pintura al temple tiene como aglutinante una emulsión de agua, clara y yema de huevo y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo con el aceite hasta lograr una mezcla homogénea, después gradualmente agregar el agua hasta crear la emulsión o médium de la técnica al temple. La proporción es de un huevo entero, más una parte igual de aceite, más una, dos o tres partes de agua, dependiendo de la fluidez que se quiera alcanzar.

Sandro Botticelli, "El nacimiento de Venus" 1484, 

Técnica: Temple sobre lienzo.

Tinta: La presentación de la tinta, también llamada tinta china, es generalmente líquida aunque también puede ser una barra muy sólida que se debe moler y diluir para su uso. Se usa sobre papel y los colores de tinta más utilizados son el negro y el sepia, aunque actualmente se usan muchos otros. La tinta se aplica de varias maneras, por ejemplo con pluma o plumín, que son más adecuados para dibujo o caligrafía y no para pinturas, las diferentes puntas de plumilla se utilizan cargadas de tinta para hacer líneas y con ellas dibujar o escribir. 

Ana Soler Fernandez

Fresco: El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas lo que el latín es a los idiomas modernos. La técnica del fresco se basa en un cambio químico. Los pigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio. Los procedimientos para pintar al fresco son sencillos pero laboriosos y consumen mucho tiempo. Esta técnica de pintura suele ser estable y de larga duración, aunque se puede dañar por causas físicas, químicas o bacteriológicas.

Rafael Sanzio, "La Escuela de Atenas" (1509 -1511).

Puntillismo:

El puntillismo es la técnica que consiste en colocar puntos pequeños esféricos de colores puros, en lugar de la técnica de pinceladas sobre el soporte para pintar. Al haber relaciones físicas entre los colores, la interacción entre los primarios y complementarios, consiguen con la posición de unos junto a otros la mezcla óptica, a partir de una cierta distancia del cuadro, que es capaz de producir el efecto de la unión entre ellos.

Camille Pissarro

Dripping: El dripping es una pintura automática, que según los surrealistas se consigue con ella una pintura casual, hecha con gotas y salpicaduras de pintura, es la técnica pictórica característica de la «action painting» estadounidense (pintura de acción). La pintura se realiza por el artista caminando sobre la superficie a pintar con grandes brochas o con el mismo bote de pintura, dejando caer el goteo del color, normalmente esmalte, que es el que forma las manchas sobre el soporte.

Jackson Pollock 1950. Cuadro de Dripping.

Graffiti: se realiza con una pintura envasada en aerosoles que se utiliza pulsando el botón superior por lo que sale en una aspersión muy fina y permite pintar grandes superficies, normalmente los muros de las calles, a la pintura conseguida de esta manera se le denomina graffiti

Técnicas mixtas: A veces se emplean diversas técnicas en un mismo soporte. El collage por ejemplo, que es una técnica artística (no pictórica por no ser pintada) se convierte en una técnica mixta cuando tiene alguna intervención con guache, óleo, tinta o cualquier otra pintura. 

La pintura

La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas.

En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada una técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc. dando lugar a una obra de arte según algunos principios estéticos.

El arte constituye un desafío de representación a la materia y también límites

La técnica de pintura presenta tres límites:

El límite de la superficie: las superficies están impuestas por los formatos de las telas y los papeles. Cada pintor puede crear sus propias superficies, pero una vez establecida su elección tendrá siempre sus límites.

El límite de los valores: corresponden a la elección de los tonos más o menos oscuros o saturados, representan la gradación luminosa de las diferentes superficies tratadas, en monocromo o en diferentes colores. Es como representar un modelo en colores yendo del blanco al negro. De esta manera se comprueba los límites de los valores disponibles.

El límite de los colores: está relacionado con las gamas propuestas por los diferentes materiales utilizados y sus composiciones químicas. Los límites elegidos forman parte de la definición del estilo. Cada época y cada artista tuvo su manera propia de utilizar los colores, privilegiando la luz que influencia unos objetos en relación con otros. El brillo se obtiene por un juego de contrastes luminosos.

¿Qué es el Color?

Es la impresión producida por un tono de luz en los órganos visuales, o más exactamente, es una percepción visual que se genera en el cerebro de los humanos y otros animales al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores en la retina del ojo, que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético. Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como distintos colores según las longitudes de ondas correspondientes. 

¿Qué es el Contraste del color?

El contraste de colores es la diferencia en las características de dos o más colores que interactúan en un diseño afectando al modo en que se perciben. Mientras el espectador no versado en la teoría del color ve y siente estos contrastes de una manera intuitiva, quien trabaja con el color como recurso expresivo ha de ser capaz de identificarlos y emplearlos de manera efectiva.

En el estudio de los contrastes del color según sus diferentes características llegando a identificar siete tipos.

Contraste de tono: En el contraste de tono (también conocido como contraste de colores puros, tinte o matiz) se yuxtaponen colores saturados cuyo contraste aumenta cuanto más alejados estén unos de otros en el círculo cromático. El efecto que producen es llamativo y enérgico.

Contraste de valor: En el contraste de valor (también conocido como contraste de luminosidad o claro-oscuro) se yuxtaponen colores de valores claros y oscuros cuyo contraste aumenta cuanto mayor sea la diferencia de luminosidad.

    Claro oscuro acromático

Claro oscuro cromático

Utilizado por Picasso  en el periodo azul

Contraste de temperatura: En el contraste de temperatura se yuxtaponen colores cálidos y colores fríos. Esta interacción provoca que un color cálido rodeado de colores fríos se perciba aún más cálido, mientras que si está rodeado por colores cálidos se percibirá más frío. Igualmente si un color frío se rodea de colores cálidos se percibirá como más frío y si se rodea de otros colores fríos se percibirá como más cálido.

Contraste de complementarios: En el contraste de complementarios se yuxtaponen dos colores opuestos en el círculo cromático. Si estos colores son saturados el contraste es máximo. Como efecto de esta interacción ambos colores se perciben más intensos y vibrantes saltando a la vista.

Contraste de saturación: En el contraste de saturación (también conocido como contraste de calidad) se yuxtaponen colores vivos y apagados. El contraste depende de la disparidad en la intensidad cromática de los colores que interactúan siendo mayor cuando se combina un tono puro con uno sin croma. Este contraste enfatiza la percepción de los colores saturados como más vivos y la percepción de los colores desaturados como más apagados.

Contraste de cantidad: En el contraste de cantidad se yuxtaponen proporciones descompensadas de distintos colores. Mucho de uno y poco de otro. Como recurso se puede emplear para crear efectos visuales (una masa de color rodeada de otras más pequeñas parecerá más grande y la inversa) o armonizar otros contrastes de gran intensidad como el contraste de complementarios.

El amarillo representa un grado mas elevado de expresión 

La proporción equilibrada  sería una parte de amarillo por 3 de violeta

Contraste simultáneo: El contraste simultáneo, a diferencia del resto de contrastes de esta lista, no existe de manera física. Se trata de un proceso fisiológico en el que el órgano de la vista busca el equilibrio a partir de un color dado y por ello simultáneamente produce su opuesto en tono, valor, saturación o temperatura modificando cómo es percibido ese color.

Van Gogh  "Le café, le soir" (1888)  

¿Qué son las gamas del color?

En la teoría del color, la gama de color de un dispositivo, o proceso, usado para la creación de un color, es la proporción del espacio de color que se puede representar con ese dispositivo o proceso, ya que existen limitaciones físicas que hacen imposible que cualquier dispositivo reproduzca toda la información de color visible por el ser humano. También se podría definir como el lugar geométrico de los puntos del plano matiz-saturación que se pueden representar mediante un dispositivo o técnica.

Generalmente, la gama de color se especifica en el plano de la gráfica matiz-saturación-luminosidad. Muchos sistemas pueden producir colores con una amplia gama de intensidades dentro de su gama de color. Además, para los sistemas de colores sustractivos, tales como los sistemas usados en la impresión, el rango disponible de intensidad, en la mayoría de las ocasiones no tiene sentido fuera del contexto de su iluminación, puesto que el color visible en toda representación sustractiva es siempre dependiente de la fuente de luz que está iluminando al objeto.

Materiales y Herramientas para pintar 

Existe información sobre los materiales empleados por los artistas en documentos escritos, notas dirigidas a otros artistas y otra fuente es el examen técnico y científico de las obras de arte. Estos exámenes sirven también para reforzar las pruebas documentales. Como es natural los materiales empleados a partir del siglo XX son mucho más numerosos y exhaustivos. 

Soportes: El soporte cumple la función de ser el portador del fondo y de las capas de pintura. Los soportes son muy variados, los más tradicionales son el papel, el cartón, la madera, el lienzo y los muros, a los que se puede añadir el metal, el vidrio, el plástico o el cuero entre otros. Todos necesitan de una imprimación especial según el procedimiento pictórico que se quiera seguir.

Pinceles: Los pinceles son un instrumento clásico y efectivo que el pintor emplea en su trabajo. Los pinceles pueden variar en tamaño, anchura, y calidad. Los materiales de los componentes de los pinceles y brochas pueden ser orgánicos o sintéticos.

Fondos: En la diversidad de soportes, se acostumbra a modificar antes de comenzar la pintura en ellos, con un tratamiento de imprimación el fondo, que alcanza una superficie pintada con el color y la textura deseada por el artista. Solían hacerse por medio orgánico como el aceite o la cola, mezclado con el color blanco o coloreado, estos medios adhesivos han sido las colas de animales y de pescado, los secantes y las emulsiones de huevo, aceite o resina , el color sólido solía ser la cal, la piedra pómez y la tierra ocre. Esto definía también el efecto visual de la obra finalizada. Este color en el fondo del soporte, consigue en un blanco reflejar la luz a través de las capas de pintura y si es un color oscuro tiende a rebajar el tono de la pintura.40.

Pigmentos: Los pigmentos se dividen en inorgánicos como los derivados de minerales, las tierras, sales u óxidos con los que se consiguen los colores de tierras ocres y sienas, y los orgánicos derivados de vegetales o animales como los conseguidos por cocción de semillas o calcinación y los obtenidos por vía sintética como anilinas también de compuesto orgánico. Los orgánicos suelen ser menos estables que los inorgánicos. El pigmento junto con el aglutinante forma la pintura. El aglutinante es el que permite alcanzar la fluidez en el pigmento y conseguir la adhesión de la pintura en la superficie, puede ser acuoso o graso. El disolvente tiene la misión de diluir o disolver y su tipo depende de la clase del aglutinante empleado. Así el aguarrás diluye el aceite y disuelve la resina, y el agua disuelve la goma y una vez disuelta, también puede diluirla más

Soportes adecuados

Tabla de madera: ha sido de los soportes más utilizados desde siempre, los artistas egipcios ya pintaban sobre la madera de los sarcófagos y especialmente en la Edad Media, los retablos o los frontales de altar, además de ligero, tiene dos caras una lisa y otra rugosa, se suele utilizar por la parte rugosa ya que la lisa necesita una preparación para que la pintura se adhiera a ella correctamente. 

Lienzo: Vista posterior de un bastidor en construcción, soporte de madera sobre el cual tensar el lienzo.

Los lienzos más usados son los provenientes de fibras vegetales como : el cáñamo, el lino, el yute con tramado fino o el algodón, todos se presentan con grano fino o grueso según el resultado que quiera el artista de su trabajo, también hay soportes realizados con tejido de poliéster. 

Cobre: No es un soporte muy común, pero fue usado principalmente durante el siglo XVI en láminas muy delgadas y por pintores del norte de Europa, como el artista alemán Adam Elsheimer. El tamaño normalmente pequeño de estas planchas hace pensar que los artistas que las emplearon, las habían reciclado de antiguos grabados. 

Vidrio: Otro soporte para pintar es el vidrio, realizado en objetos (jarras, vasos) con esmalte que una vez decorados en frío, debe ser sometido, para su fijación al soporte, al calor del horno con una temperatura inferior a la fusión del vidrio. 

Papel: El soporte del papel es utilizado en diversas técnicas pictóricas, las más corrientes son la acuarela, el gouache, el pastel y la tinta china negra o en colores. Hay gran variedad de texturas, pesos y colores, y su elección depende del estilo del artista

EL DIBUJO

El dibujo es un término que está presente como concepto en todas las actividades en las que se determina el valor esencial de ellas, en el hecho mismo de establecerse como conocimiento. Está también relacionado con los movimientos, gestos, conductas y comportamientos, que tienen en común el ser sustento ordenador de una estructura que establece figuras sobre fondos indiferenciados. Límites y huellas, cortes espaciales, las figuras establecidas por el dibujo se determinan en un equilibrio inestable entre el conocimiento y la memoria, en una representación problemática.

El dibujo como representación marca el intento más radical del ser humano por vencer la necesidad de los acontecimientos, en el deseo de volver a hacer presente por medio de la imagen la idea que tenemos de ella misma. Aprendiendo al objeto, de un modo obsesivo, para tratar de comprender nuestro ser y las relaciones que mantiene con el entorno a través de las cosas.

Los dibujos pueden describirse como modelos para una concepción mental a la que se “da cuerpo” a través del dibujo. Tanto dibujos como piezas deben perfeccionarse sólo hasta el punto donde la idea y el “cuerpo” que se les da se hacen lo bastante claros para una comprensión precisa y adecuada.

Está referido también a los procedimientos que son capaces de producir esos trazos definidos, y al uso y a las connotaciones que estos procedimientos han adquirido en su práctica histórica. 

El dibujo se establece siempre como una fijación de un gesto que concreta una estructura, por lo que enlaza con todas las actividades primordiales de expresión y construcción vinculadas al conocimiento, a la descripción de las ideas, las cosas y a los fenómenos de interpretación basados en la explicación de su sentido por medio de sus configuraciones. 

El estructuralismo trató de reconstruir ese esfuerzo primario del pensamiento a través de unas ideas madre que explicasen el mundo como un proceso de creación de sentido; enlazaba con una tradición ancestral por explicar la estructura de los fenómenos por medio de sus gestos y trazas de sus huellas.

Cualquier acción humana termina por ser huella de ella misma, cualquier comportamiento formaliza su estructura y nos crea una imagen análoga de su razón más profunda. Las estructuras que determinan los gestos, marcan las propiedades con las que percibimos y reducimos el mundo entrópico de la percepción. Los trazos que reconocemos son los rastros fijos de esos gestos que nos ayudan a comprender el proceso con el que las personas representan los conceptos de las cosas. Los fenómenos visuales permiten establecer el orden jerárquico de aquello que se valora. La enseñanza ha desarrollado a través de estos componentes: gestos y estructuras, los instrumentos para la interpretación de las ideas que en ellos se concretan. A través de esto, el dibujo, al mismo tiempo que configura una idea, comunica e informa de la estructura con que cada persona capta el fenómeno, reflejando al mismo tiempo el valor simbólico que asume. Todo sistema compositivo estructurado es reductible a un análisis de sus partes, proporciones, ritmos, etc. Y cada persona puede nuevamente traducir un orden estilístico por medio de su apropiación en un gesto personal, de la misma manera que las nuevas escuelas de Diseño, basándose en la creencia de un principio básico y común de la forma, desarrollaron un proceso de reducción formal para encontrar los elementos y las leyes interdisciplinares que sustentasen al auténtico estilo moderno. Un estilo que sería la superación de todos aquellos otros, atávicos y parciales; en sí mismo anti estilo, en cuanto rompía con la  evolución histórica de ellos, y daba paso a la llegada de la nueva era, imperfectible, final de todas las utopías; estilo que surgía directamente del gesto íntimo, como afirmación personal y, y por tanto, carecía del valor negativo y coercitivo del anterior sistema académico. El dibujo es un término que está presente como concepto en todas las actividades en las que se determina el valor esencial de ellas, en el hecho mismo de establecerse como conocimiento. Está también relacionado con los movimientos, gestos, conductas y comportamientos,

El carácter de representaciones de los dibujos es lo que establece su mayor complejidad. El valor que adquieren como forma de aprehensión sensible de las ideas y de los objetos es el que les confiere la multiplicidad de sentidos, y su papel clave en el conocimiento de las cosas.

El dibujo como representación marca el intento más radical del ser humano por vencer la necesidad de los acontecimientos, en el deseo de volver a hacer presente por medio de la imagen la idea que tenemos de ella misma. Aprehendiendo al objeto, de un modo obsesivo, para tratar de comprender nuestro ser y las relaciones que mantiene con el entorno a través de las cosas. Aprehensión intuitiva, conceptualizada o ideal, por medio de la cual lo concreto y lo diverso es pensado bajo una forma categorial.

Pero los dibujos, además de representaciones, de esquemas o de conceptos de lo real, son ante todo, aunque parezca una obviedad, “dibujos”, un tipo de imágenes que se definen en un contexto de unas prácticas determinadas. Científicas, técnicas o artísticas que le dan valores muy concretos, vinculados a las categorías de sus conocimientos. Sus valores están también relacionados con las facilidades y destrezas de sus prácticas. Trazar un camino, dibujar con precisión un circuito, delinear una sección, son acciones muy distintas, valoradas de forma diferente en el contexto de sus profesiones. Es ahí donde empiezan la mayor parte de los problemas a la hora de dibujar y a la hora de exponer cuáles son o han sido históricamente sus conceptos más fundamentales.

HISTORIA DEL DIBUJO

El dibujo sirve como una herramienta para la representación de objetos reales o ideas que, a veces, no es posible expresar fielmente con palabras. Los primeros dibujos conocidos se remontan a la prehistoria; las pinturas rupestres de la cueva de Altamira son unos de los ejemplos más antiguos, donde el ser humano plasmó en los techos y paredes de las cavernas lo que consideraba importante transmitir o expresar.

De las primeras civilizaciones perduran escasos ejemplares de dibujos, normalmente, por la fragilidad del material en el que fueron ejecutados, o porque eran un medio para elaborar pinturas posteriormente, siendo recubiertos con capas de color.

Las culturas de la Antigua China, Mesopotamia, el valle del Indo, o el Antiguo Egipto nos han dejado muestras claras de ello, ideando los primeros cánones de proporciones como sucedió también en la Antigua Grecia y Roma.

En la Edad Media se utilizó profusamente el dibujo, generalmente coloreado, para representar sobre pergaminos temas religiosos a modo de explicación o alegoría de las historias escritas. La cultura islámica también contribuyó con preciosos dibujos. Es en el Renacimiento cuando el dibujo eclosiona, logrando alcanzar sublimes cotas. Por primera vez se estudia el método de reflejar la realidad con la mayor fidelidad posible, con arreglo a normas matemáticas y geométricas impecables. El dibujo, de la mano de los grandes artistas renacentistas cobra autonomía, adquiriendo valor propio en autorretratos, planos arquitectónicos y variados temas, además de seguir sirviendo como estudio previo imprescindible de otras artes, como la pintura, escultura o arquitectura.

DISTINTAS FORMAS DE DIBUJAR 

Dibujo Analítico: aquel referido al concepto de análisis. Distinción y descomposición de las partes de un todo. En sentido figurado, examen que se hace de una obra. El análisis se contrapone a la síntesis, entendida esta como adición o recomposición de lo previamente descompuesto.

Dibujo Conceptual: se dice de aquel en el que prevalecen aspectos de carácter verbalizable antes que los puramente plásticos o dependientes de los estilos y tradiciones figurativas.

Dibujo Realista: referente o relativo al realismo. Se utiliza como sinónimo de naturalismo aunque suele centrar su interés en cuestiones sociales y lo esencial de las cosas, recurriendo en ocasiones a recursos expresionistas. Es un concepto opuesto al idealismo.

Dibujo Naturalista: referente al naturalismo. Sistema estético o estilo artístico que propone como fin último la imitación fiel de la naturaleza sin omitir lo desagradable o repugnante. Se suele utilizar  junto con el término realismo de forma indiferenciada.

Dibujo Descriptivo: aquel relacionado con el concepto de descripción, acción y efecto de describir, dibujar o representar una cosa dando idea exacta de ella. También se derivan: circunscripción y transcripción.

Dibujo Abstracto: Derivado de abstraer, aislar mentalmente, cualidad de algo separado de los objetos sensibles. Se llama así al arte no figurativo en donde las líneas, colores, etc. No tienen relación con las formas y objetos reconocibles.

Dibujo Esquemático: Aquel que reduce la representación gráfica de una cosa a los caracteres más significativos, en ocasiones limitados  a elementos simbólicos o estructurales.

Dibujo Poético: Se dice de aquel capaz de evocar, a través de un lenguaje personal, una riqueza de imágenes emotivas análogas a las que inspira la poesía lírica.

Dibujo Científico: Aquel relacionado o al servicio de una determinada ciencia, y cuyo fin es el conocimiento del mismo objeto de estudio de ésta.

Dibujo Técnico: El que posee un carácter instrumental al servicio de una profesión determinada, como puede ser la arquitectura o ingeniería, y está auxiliado por un conjunto de convenciones y técnicas geométricas de representación.

Dibujo Lineal: Denominación utilizada frecuentemente como sinónimo de dibujo geométrico y en contraposición al dibujo artístico. Está basado en la representación de las formas a través de diferentes figuras geométricas que también constituyen su objeto de estudio.

Dibujo Artístico: En contraposición al dibujo técnico o científico de carácter instrumental, se denomina así al dibujo relacionado con las artes plásticas. Éste se considera más libre al no estar sujeto a normas obligatorias y uniformadoras y suele tener un fin en sí mismo.

Dibujo Ornamental o Decorativo: se dice de aquel destinado a representar los elementos accesorios o el conjunto de ellos, para acompañar una obra con la pretensión de embellecerla o adornar.

Dibujo Animado: Se denomina así al conjunto de fotogramas dibujados en una película cinematográfica para producir la sensación de movimiento de los personajes, y que utilizan los recursos expresivos similares a los de las historietas gráficas.

Dibujo Artesanal: Relativo a la artesanía; arte y obra de los artesanos, aquellos que ejercen un arte u oficio mecánico.

 MATERIALES, HERRAMIENTAS Y SOPORTES PARA DIBUJAR 

Los materiales que se pueden usar son muchos, como también la superficie donde se puede hacer. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz como el instrumento, pero actualmente se usan computadoras utilizando el teclado, mouse, o con un lápiz óptico, más común en un Tablet PC como el iPad.

Los materiales  las herramientas más comunes para dibujar son: los lápices de grafito como por ejemplo los lápices de dibujo (6b),(2b),y (HB)que son los más importantes en el dibujo básico, la pluma estilográfica, carboncillos, regla, compás, escuadras, regla "T", etc.

El medio hace referencia a que tipo de tinta, pigmento o color va a ser utilizado sobre la superficie a dibujar. La herramienta utilizada puede ser seca (como el grafito, pasteles, conté) o húmedo (como marcadores, pluma o tinta). Los lápices acuosos pueden ser utilizados en seco, pero al estar húmedos adquieren un tono diferente. Aunque es inusual, en ocasiones los artistas trabajan con una clase de tinta invisible.

El soporte físico puede ser cualquiera, desde la antigüedad se ha ido cambiando de un formato a otro. Los más utilizados en la actualidad son aquellos basados en papel y/o cartón, aunque la variedad llega a ser tan ingente que es difícil concretar.

Según a que se destine el dibujo, encontramos desde el lienzo para una obra representativa con fines decorativos, o el polipropileno para plasmar dibujos en carteles con fines publicitarios.