La pintura

La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas.

En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada una técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc. dando lugar a una obra de arte según algunos principios estéticos.

El arte constituye un desafío de representación a la materia y también límites

La técnica de pintura presenta tres límites:

El límite de la superficie: las superficies están impuestas por los formatos de las telas y los papeles. Cada pintor puede crear sus propias superficies, pero una vez establecida su elección tendrá siempre sus límites.

El límite de los valores: corresponden a la elección de los tonos más o menos oscuros o saturados, representan la gradación luminosa de las diferentes superficies tratadas, en monocromo o en diferentes colores. Es como representar un modelo en colores yendo del blanco al negro. De esta manera se comprueba los límites de los valores disponibles.

El límite de los colores: está relacionado con las gamas propuestas por los diferentes materiales utilizados y sus composiciones químicas. Los límites elegidos forman parte de la definición del estilo. Cada época y cada artista tuvo su manera propia de utilizar los colores, privilegiando la luz que influencia unos objetos en relación con otros. El brillo se obtiene por un juego de contrastes luminosos.

¿Qué es el Color?

Es la impresión producida por un tono de luz en los órganos visuales, o más exactamente, es una percepción visual que se genera en el cerebro de los humanos y otros animales al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores en la retina del ojo, que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético. Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como distintos colores según las longitudes de ondas correspondientes. 

¿Qué es el Contraste del color?

El contraste de colores es la diferencia en las características de dos o más colores que interactúan en un diseño afectando al modo en que se perciben. Mientras el espectador no versado en la teoría del color ve y siente estos contrastes de una manera intuitiva, quien trabaja con el color como recurso expresivo ha de ser capaz de identificarlos y emplearlos de manera efectiva.

En el estudio de los contrastes del color según sus diferentes características llegando a identificar siete tipos.

Contraste de tono: En el contraste de tono (también conocido como contraste de colores puros, tinte o matiz) se yuxtaponen colores saturados cuyo contraste aumenta cuanto más alejados estén unos de otros en el círculo cromático. El efecto que producen es llamativo y enérgico.

Contraste de valor: En el contraste de valor (también conocido como contraste de luminosidad o claro-oscuro) se yuxtaponen colores de valores claros y oscuros cuyo contraste aumenta cuanto mayor sea la diferencia de luminosidad.

    Claro oscuro acromático

Claro oscuro cromático

Utilizado por Picasso  en el periodo azul

Contraste de temperatura: En el contraste de temperatura se yuxtaponen colores cálidos y colores fríos. Esta interacción provoca que un color cálido rodeado de colores fríos se perciba aún más cálido, mientras que si está rodeado por colores cálidos se percibirá más frío. Igualmente si un color frío se rodea de colores cálidos se percibirá como más frío y si se rodea de otros colores fríos se percibirá como más cálido.

Contraste de complementarios: En el contraste de complementarios se yuxtaponen dos colores opuestos en el círculo cromático. Si estos colores son saturados el contraste es máximo. Como efecto de esta interacción ambos colores se perciben más intensos y vibrantes saltando a la vista.

Contraste de saturación: En el contraste de saturación (también conocido como contraste de calidad) se yuxtaponen colores vivos y apagados. El contraste depende de la disparidad en la intensidad cromática de los colores que interactúan siendo mayor cuando se combina un tono puro con uno sin croma. Este contraste enfatiza la percepción de los colores saturados como más vivos y la percepción de los colores desaturados como más apagados.

Contraste de cantidad: En el contraste de cantidad se yuxtaponen proporciones descompensadas de distintos colores. Mucho de uno y poco de otro. Como recurso se puede emplear para crear efectos visuales (una masa de color rodeada de otras más pequeñas parecerá más grande y la inversa) o armonizar otros contrastes de gran intensidad como el contraste de complementarios.

El amarillo representa un grado mas elevado de expresión 

La proporción equilibrada  sería una parte de amarillo por 3 de violeta

Contraste simultáneo: El contraste simultáneo, a diferencia del resto de contrastes de esta lista, no existe de manera física. Se trata de un proceso fisiológico en el que el órgano de la vista busca el equilibrio a partir de un color dado y por ello simultáneamente produce su opuesto en tono, valor, saturación o temperatura modificando cómo es percibido ese color.

Van Gogh  "Le café, le soir" (1888)  

¿Qué son las gamas del color?

En la teoría del color, la gama de color de un dispositivo, o proceso, usado para la creación de un color, es la proporción del espacio de color que se puede representar con ese dispositivo o proceso, ya que existen limitaciones físicas que hacen imposible que cualquier dispositivo reproduzca toda la información de color visible por el ser humano. También se podría definir como el lugar geométrico de los puntos del plano matiz-saturación que se pueden representar mediante un dispositivo o técnica.

Generalmente, la gama de color se especifica en el plano de la gráfica matiz-saturación-luminosidad. Muchos sistemas pueden producir colores con una amplia gama de intensidades dentro de su gama de color. Además, para los sistemas de colores sustractivos, tales como los sistemas usados en la impresión, el rango disponible de intensidad, en la mayoría de las ocasiones no tiene sentido fuera del contexto de su iluminación, puesto que el color visible en toda representación sustractiva es siempre dependiente de la fuente de luz que está iluminando al objeto.

Materiales y Herramientas para pintar 

Existe información sobre los materiales empleados por los artistas en documentos escritos, notas dirigidas a otros artistas y otra fuente es el examen técnico y científico de las obras de arte. Estos exámenes sirven también para reforzar las pruebas documentales. Como es natural los materiales empleados a partir del siglo XX son mucho más numerosos y exhaustivos. 

Soportes: El soporte cumple la función de ser el portador del fondo y de las capas de pintura. Los soportes son muy variados, los más tradicionales son el papel, el cartón, la madera, el lienzo y los muros, a los que se puede añadir el metal, el vidrio, el plástico o el cuero entre otros. Todos necesitan de una imprimación especial según el procedimiento pictórico que se quiera seguir.

Pinceles: Los pinceles son un instrumento clásico y efectivo que el pintor emplea en su trabajo. Los pinceles pueden variar en tamaño, anchura, y calidad. Los materiales de los componentes de los pinceles y brochas pueden ser orgánicos o sintéticos.

Fondos: En la diversidad de soportes, se acostumbra a modificar antes de comenzar la pintura en ellos, con un tratamiento de imprimación el fondo, que alcanza una superficie pintada con el color y la textura deseada por el artista. Solían hacerse por medio orgánico como el aceite o la cola, mezclado con el color blanco o coloreado, estos medios adhesivos han sido las colas de animales y de pescado, los secantes y las emulsiones de huevo, aceite o resina , el color sólido solía ser la cal, la piedra pómez y la tierra ocre. Esto definía también el efecto visual de la obra finalizada. Este color en el fondo del soporte, consigue en un blanco reflejar la luz a través de las capas de pintura y si es un color oscuro tiende a rebajar el tono de la pintura.40.

Pigmentos: Los pigmentos se dividen en inorgánicos como los derivados de minerales, las tierras, sales u óxidos con los que se consiguen los colores de tierras ocres y sienas, y los orgánicos derivados de vegetales o animales como los conseguidos por cocción de semillas o calcinación y los obtenidos por vía sintética como anilinas también de compuesto orgánico. Los orgánicos suelen ser menos estables que los inorgánicos. El pigmento junto con el aglutinante forma la pintura. El aglutinante es el que permite alcanzar la fluidez en el pigmento y conseguir la adhesión de la pintura en la superficie, puede ser acuoso o graso. El disolvente tiene la misión de diluir o disolver y su tipo depende de la clase del aglutinante empleado. Así el aguarrás diluye el aceite y disuelve la resina, y el agua disuelve la goma y una vez disuelta, también puede diluirla más

Soportes adecuados

Tabla de madera: ha sido de los soportes más utilizados desde siempre, los artistas egipcios ya pintaban sobre la madera de los sarcófagos y especialmente en la Edad Media, los retablos o los frontales de altar, además de ligero, tiene dos caras una lisa y otra rugosa, se suele utilizar por la parte rugosa ya que la lisa necesita una preparación para que la pintura se adhiera a ella correctamente. 

Lienzo: Vista posterior de un bastidor en construcción, soporte de madera sobre el cual tensar el lienzo.

Los lienzos más usados son los provenientes de fibras vegetales como : el cáñamo, el lino, el yute con tramado fino o el algodón, todos se presentan con grano fino o grueso según el resultado que quiera el artista de su trabajo, también hay soportes realizados con tejido de poliéster. 

Cobre: No es un soporte muy común, pero fue usado principalmente durante el siglo XVI en láminas muy delgadas y por pintores del norte de Europa, como el artista alemán Adam Elsheimer. El tamaño normalmente pequeño de estas planchas hace pensar que los artistas que las emplearon, las habían reciclado de antiguos grabados. 

Vidrio: Otro soporte para pintar es el vidrio, realizado en objetos (jarras, vasos) con esmalte que una vez decorados en frío, debe ser sometido, para su fijación al soporte, al calor del horno con una temperatura inferior a la fusión del vidrio. 

Papel: El soporte del papel es utilizado en diversas técnicas pictóricas, las más corrientes son la acuarela, el gouache, el pastel y la tinta china negra o en colores. Hay gran variedad de texturas, pesos y colores, y su elección depende del estilo del artista